厉害的设计师，会避开审美过时
来源：研习设
原标题：为什么审美会过时？
你好，我是K叔。一个务实的设计教育者。
这篇文章，我想和你聊聊审美为什么会过时，
以及潮流的循环规律这个问题。
很多东西在诞生的那一刻，美得让人惊艳，但过了七八年，你再看它，会觉得有种说不上来的不舒服。这种不舒服就是觉得它“土”。
比如很多年前，室内设计很流行的爵士白大理石。
最开始，这种天然不规则的灰色纹路出现在高级酒店的大堂，出现在设计师的样板间里。那种冷冽、纯净的质感，当时看来就是很高级的视觉。
但后来，这种纹路被印刷技术彻底解构了。
它开始出现在火锅店的PVC桌面贴纸上，甚至出现在了公厕的瓷砖上。
所以，这种高级的专属感迅速崩塌。
为什么会这样呢？因为审美，本质上是一场关于边际效用的动态游戏。
我们可以把“美”这个字，当做是有面值的。
当一种风格只出现在少数先锋设计师的作品里时，它的面值很高。
但当这种风格被大规模商业化、被工厂批量复制、出现在大街小巷的招牌上时，这种“美”就通货膨胀了。
曾经的惊艳，变成了现在的千篇一律。
所以，审美之所以会过时，不是因为美本身发生了什么改变，而是因为它的稀缺性没了。
从设计史的角度来看，这个稀缺性会持续20年左右。
一个风格从流行到被厌恶，通常需要10年。
接下来的10年，它会进入冷宫。
这20年的跨度，刚好产生了一种时间上的陌生感。
对于现在的年轻人来说，2000年的Y2K风格，不是什么过时的土气。
因为在他们的记忆里，这种风格从未出现过。
对年轻人来说，这种带着金属质感、透明塑料、高饱和色彩的视觉，比现在的扁平化设计要有生命力得多。
审美，从来不会停在原地，它永远在两个极端之间反复横跳。左边是繁复，右边是极简。就像一个钟摆一样，来回震荡。
19世纪后期，是维多利亚风格的天下。
那时候的人，恨不得在每一把椅子腿上都雕满花纹，每一寸墙纸都要印上蕾丝，一个版面可能用七八种不同的字体。
把设计搞的这么繁复的原因是因为工业革命刚开始，大家刚摆脱贫困，需要用这种视觉上的“多”，来证明自己的身份和财富。
但这种繁琐，到了极致就是压抑。于是，钟摆开始发力，猛地荡向了另一端。
包豪斯出现了，它告诉你：“形式追随功能”。不要花纹，不要装饰，只要几何图形。这种极致的克制，在当时看是惊天动地的高级感。
但这还没完。
当现代主义统治了世界几十年，到处都是光秃秃的玻璃幕墙和白色墙壁时，人又受不了了。这种冷冰冰的秩序感，让人觉得缺了点人味，于是，80年代的孟菲斯设计跳了出来。它用那种乱七八糟的撞色、毫无逻辑的形状，大声宣布，繁复再次回归。
这就是审美的补偿机制：缺什么，就补什么。就像现在我们所处的数字化的时代，我们看腻了屏幕上完美的像素，就开始疯狂追求有瑕疵的胶片感，希望追求一种“拙”的味道。
潮流不是突然爆发的，它就像一个生物，有自己的诞生、高潮和死亡。作为设计师，我们必须清楚自己现在站在哪个阶段。
一般来讲，潮流会分为四个阶段。为了方便你理解，我把这四个阶段制作成了四个表格。
这就是潮流的宿命：始于艺术，终于批发。
一个真正厉害的设计师，不应该去做追风的人，而应该去做那个理解风的人。要想让你的设计不被潮流的巨浪拍碎在沙滩上，我有三条建议：
1、寻找“不变量”
颜色会过时，但颜色之间搭配的逻辑不会过时；字体可能也会随着时间的变化有更新颖的出现，但传递信息的逻辑与字体的基础知识不会改变；装饰会过时，但留白所产生的呼吸感，永远是高级感的入场券。潮流是表象，底层的逻辑永不会变。
2、做有时间深度的设计
不要只盯着当下的主流，也可以去看看50年前的经典，多去看看设计史，去研究那些被时间筛选下来的比例和材质。当你把过去的沉稳与当下的趋势结合时，你的作品就会产生一种超越时间的厚度。
3、审美是用来表达立场的
不只要在乎现在流行什么，而要问自己的设计要达成什么样目标？如果你的设计能精准地触达特定人群的心理补偿，能解决他们的审美饥渴，那么无论潮流怎么变，你都能拥有自己的一席之地。
就像我在《为什么大品牌的设计，总感觉更高级》这篇文章里说的那样，真正的设计高手，既能俯下身段，用最直白的视觉语言，帮客户抢夺注意力，也能退后一步，用最克制的艺术语言，帮品牌保留一份稀缺的呼吸感。
最后，送你一句话：
设计，是用来解决问题的；而审美，是用来表达立场的。
看透了轮回，你才能在喧嚣中保持定力。
作者公众号：研习设（ID：yanxishe2017）
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